Ernest Chausson (1855-1899) - Poème, Op.25
Chausson era um compositor francês cuja carreira promissora foi interrompida por sua morte prematura aos 44 anos. Depois de concluir seu estudo de direito, foi estudar composição no Conservatório de Paris com Massenet e Franck. Ele trabalhou na Société Nationale de Musique - uma organização que promove a música francesa, até sua morte.
Sua produção de composição foi pequena, mas significativa. Um dos trabalhos que se destacam é o Poème para violino e orquestra. Este trabalho de movimento único foi publicado em 1896, a pedido do violinista belga Eugène Ysaÿe. É baseado em A Canção do Amor Triunfante ( Le Chant de l'amour triomphant ), do romancista russo Ivan Turgenev, que conta a história de dois jovens que se apaixonaram pela mesma mulher.
A peça começa com um humor sombrio e sombrio, e o violino entra com uma declaração íntima semelhante à cadência. A música logo se torna mais apaixonada, e a parte do violino se transforma em uma exibição emocional de melodias líricas e passagens virtuosistas. O violinista Vincent P. Skowronski deu o seguinte conselho aos violinistas que tentavam executar esta peça:
“Poème é uma experiência de jogo longa, difícil e sensualmente emocionante, então você deve economizar o máximo de energia possível. Mas gaste tanta energia quanto sua paleta caleidoscópica pode suportar, porque raramente você tem a oportunidade de girar com quantidades tão abundantes de esplendor violinista. ”
Vadim Repin interpreta Poème de Chausson
Ralph Vaughan Williams (1872-1958) - A Cotovia em Ascensão
The Lark Ascending (1881) é um poema de George Meridith, que conta a história de uma clarabóia cantando uma canção celestial. Ele inspirou Vaughan Williams a compor uma peça musical com o mesmo nome para violino e piano em 1914, e mais tarde a resgatou para violino e orquestra em 1920. Essa peça foi dedicada à violinista britânica Marie Hall, que estreou as duas versões. Desde então, tornou-se uma peça popular, especialmente na Grã-Bretanha, onde é executada regularmente.
O compositor citou as linhas do poema em folha de folha de sua partitura. A música é altamente sugestiva e mostra traços do impressionismo. O uso de escalas pentatônicas, modos e ritmos de fluxo livre cria uma atmosfera fortemente associada à paisagem inglesa. Composta na época da Primeira Guerra Mundial, a serenidade da música contradizia a situação da época. Esta peça se tornou uma representação do estilo inglês em uma época em que o país tentava estabelecer uma identidade nacional.
Janine Jansen interpreta The Lark Ascending por Vaughan Williams
Camille Saint-Saëns (1835-1921) - Danse Macabre, Op.40
O Danse Macabre, também conhecido como Dance of Death, era originalmente uma canção de arte para voz e piano baseada no texto de Henri Cazalis. Em 1874, Saint-Saëns transformou-o em um poema de tom para orquestra com uma proeminente parte de violino solo, geralmente tocada pelo mestre do concerto.
A música começa com doze notas repetidas da harpa, sinalizando que o relógio bateu meia-noite. O violino solo então entra com o trítono - geralmente conhecido como o diabo na música, com as cordas abertas nas quais a corda E foi afinada para E flat ( scordatura ). Os enigmáticos temas de dança foram então passados para diferentes seções de instrumentos, com crescente intensidade e energia. Uma citação de Dies Irae - um requiem geralmente ouvido em um funeral - pode ser ouvida no meio da peça. No final, a peça muda abruptamente com um motivo de oboé que se assemelha ao corvo de um galo e seguido por uma calma melodia na tecla principal tocada pelo violino solo, o que sugere que o amanhecer está começando.
Saint-Saëns - Danse Macabre, Op 40
Leonard Bernstein (1918-1990) - Serenata após o Simpósio de Platão
A Serenata de Bernstein após o Simpósio de Platão foi composta para violino solo, cordas, harpa e percussão em 1954. Pode ser considerado como um concerto de cinco movimentos para o violino. O Simpósio é um texto filosófico de Platão, que descreveu um diálogo ficcional de um grupo de homens notáveis sobre o tema do amor. Bernstein nomeou cada seção de sua música para um orador do simpósio.
A Fundação Koussevitzky encomendou este trabalho, e Bernstein conduziu a estréia em 1954 com Isaac Stern como solista. É incrivelmente desafiador tanto para o violinista quanto para a orquestra, devido às freqüentes mudanças de medidor e ao padrão rítmico imprevisível. A meticulosidade de Bernstein pode ser vista ao longo da partitura, no que é considerado um de seus melhores trabalhos em salas de concerto.
Bernstein escreveu o seguinte comentário em sua Serenata:
I. Fedro - Pausânias (Lento - Allegro): Fedro abre o simpósio com uma oração lírica em louvor a Eros, o deus do amor. (Fugato, iniciado pelo violino solo.) Pausanias continua descrevendo a dualidade de amante e amado. Isso é expresso em uma sonata-allegro clássica, baseada no material do fugato de abertura.
II Aristófanes (Allegretto): Aristófanes não desempenha o papel de palhaço nesse diálogo, mas sim o de contador de histórias na hora de dormir, invocando a mitologia do amor nos contos de fadas.
III Erixymachus (Presto): O médico fala da harmonia corporal como um modelo científico para o funcionamento dos padrões de amor. É um fugato scherzo extremamente curto, nascido de uma mistura de mistério e humor.
IV Agathon (Adagio): Talvez o discurso mais comovente do diálogo, o panegírico de Agathon abraça todos os aspectos dos poderes, encantos e funções do amor. Esse movimento é uma música simples de três partes.
V. Sócrates - Alcibíades (Molto tenuto - Allegro molto vivace): Sócrates descreve sua visita à vidente Diotima, citando seu discurso sobre a demonologia do amor. Esta é uma introdução lenta e com maior peso do que qualquer um dos movimentos anteriores e serve como uma reprise altamente desenvolvida da seção intermediária do movimento Agathon, sugerindo uma forma de sonata oculta. A famosa interrupção de Alcibíades e seu bando de foliões bêbados inaugura o Allegro, que é um rondo estendido que varia de espírito, desde agitação a dance music até celebração alegre. Se houver uma pitada de jazz na celebração, espero que não seja entendida como música de festa grega anacrônica, mas sim a expressão natural de um compositor americano contemporâneo imbuído do espírito daquele jantar atemporal.
"Obras de arte fazem regras; regras não fazem obras de arte." - Claude Debussy
