Talvez a piada mais antiga de todas seja a história do turista em Nova York que perguntou a um motorista de táxi como chegar ao Carnegie Hall.
A resposta (para quem ainda não ouviu essa) foi "Pratique, pratique, pratique!" Boa resposta, considerando a idéia de que o domínio de qualquer habilidade complexa normalmente leva cerca de 10.000 horas - são 5 anos no valor de 40 horas por semana de trabalho!
Mas a verdade é que não são realmente 10.000 horas - como o Código dos Piratas, esse número de 10.000 horas é "mais uma diretriz". Prática mais inteligente, e você vai melhorar mais rápido. Aqui estão algumas dicas simples para fazer exatamente isso.
Dica um: pratique por um motivo!
E não por alguma razão geral manca, também. Você quer realizar algo específico quando pratica. Vamos dividir. Existem três tipos de coisas que os músicos praticam:
1) Prática técnica. Eles aprendem habilidades físicas, constroem condicionamentos físicos específicos, como o lábio de um jogador de metais ou a força dos dedos de um guitarrista, ou aprendem materiais musicais como escalas, arpejos e afins.
2) Prática para resolver problemas. Isso significa tocar as partes difíceis de uma peça, as que ainda não soam da maneira que você deseja.
3) Prática para continuidade. Isso significa aprender a tocar ou cantar através da música que você pretende tocar sem parar ou hesitar. É o tipo de prática que mais se assemelha à performance, e é importante. Infelizmente, é o único tipo de prática que alguns de nós praticam - “infelizmente”, porque apenas fazer um tipo de prática não é uma boa maneira de melhorar rapidamente.
Vamos ver como essa maneira de encarar a prática funciona. Aqui estão três situações comuns: você pode combinar cada situação com o tipo de prática necessária?
- A) Um aluno da banda deve aprender seis escalas principais, com seus arpejos, para o próximo "desfecho". (Jogando teste.)
- B) Uma banda de garagem deve aprender três novas músicas que seu cantor escreveu para o próximo show. Eles praticaram todas as partes separadas durante as sessões de composição e organização que fizeram em grupo. Eles apenas precisam polir as músicas para o show. mostrar para que soem muito, muito bom.
- C) Um estudante de música da faculdade está se preparando para o concurso de concertos da Escola de Música, que por meio de um prêmio oferece uma performance como solista da orquestra da escola e uma bolsa de estudos de US $ 500. Mas há uma seção nas medidas 33-37 que parece sempre desafinada, sem tempo ou com os dois.
Se você disse:
A) - Prática técnica; B) - Prática de continuidade; e C) - prática para resolver problemas, então você tem a ideia. Se não, aqui está o porquê de se quebrar dessa maneira.
Em A), o aluno está tentando absorver as escalas e arpejos. (O professor espera que eles sejam suficientemente absorvidos para que o jogo do aluno melhore em geral.) Isso é aprender materiais musicais, bem como os padrões de movimento físico que os acompanham, para que os padrões físicos e musicais possam ser usados livremente e com confiança em situações de desempenho. Essa é a prática técnica.
Em B), a banda está tentando aprender a tocar suas músicas de maneira suave e confiante. Eles querem chutar a bunda, não apenas tropeçar! Eles já descobriram os detalhes; eles estão tentando juntar as peças da maneira mais convincente possível. Eles estão praticando pela continuidade.
Eles também estão tentando construir sua própria confiança em sua capacidade de "passar" a peça, de modo que estão tentando provar algo para si mesmos. Infelizmente, alguns músicos ficam presos nessa parte. Eles estão tão ocupados provando que estão prontos que negligenciam a resolução de problemas que precisam fazer para estarem realmente prontos.
Em C), a aluna conhece a peça, mas está tentando descobrir um ponto problemático - por que ela tem as dificuldades que enfrenta e o que pode fazer sobre isso? Obviamente, isso é praticar para resolver problemas específicos.
Esse tipo de prática é frequentemente evitado - às vezes até mesmo por aqueles que pensam que estão fazendo isso, mas que realmente estão fazendo algo que se parece mais com a prática de continuidade. Talvez porque a verdadeira solução de problemas exija paciência consigo mesmo e a coragem de admitir que há um problema em primeiro lugar. Mas também é o mais divertido, de certa forma, porque o desafio de descobrir algo pode ser um pouco como um jogo ou quebra-cabeça. Para algumas pessoas, esse tipo de prática pode ser quase viciante.
Em cada um dos casos, porém, há uma razão para a prática - o músico ou o grupo está tentando fazer algo específico. E eles farão isso mais rápido, em média, se mantiverem seu objetivo em mente. Assim:
Seja proposital!
Dica dois: concentre-se, pelo menos, o necessário!
Cada um dos três tipos de prática exige concentração:
- Se você pratica pela continuidade, deseja garantir uma imagem mental forte da peça e onde ela está;
- Se você está praticando para solucionar problemas, precisa realmente ouvir o som que está produzindo e compará-lo com o som que deseja produzir, e realmente precisa pensar em como fazer com que os dois combinem melhor ;
- E se você pratica exercícios técnicos, precisa se concentrar o suficiente para garantir que está fazendo o que é certo - caso contrário, você estará adotando maus hábitos que o impedirão e que podem até causar ferimentos. Quanta concentração que leva pode variar, no entanto. Se você estiver fazendo um exercício de condicionamento que já fez centenas de vezes, não será preciso tanto quanto um exercício destinado a ajudar a criar uma técnica de jogo totalmente nova para você. Conheço pessoas que praticaram balanças enquanto assistiam TV.
Use seu próprio bom senso, mas:
Concentrado!
Dica três: diminua a velocidade!
Esta é principalmente uma dica para a solução de problemas. Quando você está corrigindo um problema em uma peça ou em um estudo, está tentando aprender a controlar o local do problema. A melhor maneira de obter controle é desacelerar - faça com que quase todo movimento físico seja lento o suficiente, e quase todo mundo pode fazê-lo. Faça muito devagar, depois um pouco mais rápido e repita o processo. Se você ficar com ele, com o tempo você estará queimando através dele.
Eu quase escrevi " e em breve você estará queimando", mas isso não é necessariamente verdade. Lembro-me de momentos em que parecia que eu estava praticando algo pelo que pareceu uma eternidade - meses, até anos - e com poucas melhorias para mostrar.
E lembro-me de desistir de algumas coisas, pensando que deve haver algo errado comigo quando se trata de aprender essa coisa. Mas acredito que agora não persisti o suficiente. Nos casos em que persisti, melhorei. Muito, muito melhor, de fato. Você também.
Uma outra sub-dica aqui: diminua o andamento de todo o problema, mas mantenha-o estável. Pode parecer estúpido estar segurando uma nota longa no meio de um ponto problemático, mas se você sempre faz isso, seu senso de ritmo agradece. Usar um metrônomo para manter esse ritmo lento e honesto pode ajudar com isso. Além disso, dessa forma, você pode aumentar gradualmente o andamento do metrônomo e poderá dizer melhor que está realmente melhorando. Então você não ficará desanimado tão rapidamente.
Vá devagar!
Dica quatro: mude!
Um companheiro para a dica três. Outra boa maneira de colocar-se no controle de um ponto problemático é alterá-lo! A maneira mais simples é reduzi-la: tente praticar apenas algumas notas difíceis, talvez “repetindo-as” repetidamente. Dessa forma, você pode praticar bastante exatamente o pouco necessário, muito rapidamente.
Mas você também pode mudar de outras maneiras. Por exemplo, você pode tirar algumas notas - notas de cortesia, notas na batida ou qualquer outra coisa. Pode parecer um pouco louco, mas pode realmente ajudar. Um dos motivos é que ele pode tornar a estrutura rítmica muito mais fácil de entender; outra é que ele permite que você relaxe um pouco e realmente se concentre nas notas que está tocando.
Ou você pode inserir pausas, fazendo anotações difíceis para você "pousar". Quando você pousa em uma nota difícil, você a segura, permitindo-se tempo para ouvi-la e sentir o esforço físico de tocar essa nota. Quando você sabe exatamente como uma determinada nota soa e se sente, você está no controle dela.
Aqui estão alguns exemplos de alterações:
Transpositores especializados - e aqueles que aspiram a ser - podem praticar passagens com chaves diferentes. O lendário trompetista da Chicago Symphony, “Bud” Herseth, tem sido um grande defensor disso.
Portanto, não tenha medo de
Mude isso!
Dica cinco: obtenha feedback!
Há uma tendência de alguns de nós praticar em uma espécie de vácuo: examinamos as coisas e, talvez, ouvimos, mas não usamos a verificação externa o máximo que pudemos. E assim não melhoramos o máximo que pudemos.
A maneira mais óbvia de verificar o que estamos fazendo é perguntar a alguém que sabe. Seu professor de música é uma ótima opção como crítico; às vezes, colegas de banda também são uma ótima escolha. (Especialmente aqueles que se preocupam mais com a música do que com seus sentimentos.)
Cada vez mais populares como "críticos" são as gravações de áudio e vídeo. Ouvir algo do lado de fora pode nos ajudar a ser um crítico melhor para nós mesmos - é surpreendente como você ouve claramente coisas sobre sua reprodução em uma gravação que não ouviu quando estava realmente tocando.
Mas as melhores verificações diárias são o metrônomo e o sintonizador. Tocar em um metrônomo informa rapidamente se você está se divertindo ou não. E o uso de um sintonizador pode informar se você está tocando fora de sintonia mais do que você poderia ter suspeitado. (É claro que também existem outras opções nessa linha - agora existe software de prática e o bom e velho teclado também pode ajudar na afinação, se você o usar.)
O ponto principal é que poucos de nós somos tão bons quanto tendemos a pensar que somos - então verifique a impressão que seu ouvido lhe dá.
Obter feedback!
Dica seis: deixe os erros irem!
Sei que isso parece o oposto do que acabei de dizer, mas a dica cinco é sobre solução de problemas, e agora vamos passar a falar mais sobre a prática da continuidade. É verdade que, quando você resolve um problema, precisa estar alerta para erros, para poder corrigi-los. Mas quando você está praticando a continuidade, deve praticar ignorando erros também.
Isso ocorre porque os erros podem ser uma grande distração no desempenho. Assim que você pensa: "Opa, eu errei", você perde o foco na música que está tocando. Você está focado em si mesmo. Talvez você esteja se dando mal: "Como eu poderia fazer uma coisa dessas?"
Mas em ambos os casos, você não está pensando no que vem a seguir.
Perigo! Flubbed música à frente!
Portanto, quando você pratica pela continuidade, precisa manter o foco na própria música e em como ela funciona. Se você cometer um erro, continue jogando. Em outras palavras,
Deixe os erros irem!
Dica sete: continue pensando na música, mesmo que você não possa continuar tocando!
Cativante, mas o que isso significa?
Bem, se - Deus não permita - você realmente cometer um erro, a coisa que você não quer fazer acima de tudo é perder o seu lugar. Se você parar de tocar, isso é ruim - mas se você ainda souber onde está na música, poderá voltar. Se estiver perdido, é provável que ocorram outros erros antes de descobrir onde está.
Quando você está praticando a continuidade, quer criar uma imagem mental forte de como a peça vai - alguns músicos chamam isso de "linha de passagem" - e sua capacidade de permanecer nessa linha de passagem através de linhas grossa e fina. . Uma maneira de fazer isso é parar intencionalmente de tocar enquanto pratica a continuidade, enquanto ainda imagina o som da música enquanto você conta na parte "silenciosa". Por exemplo, você pode tocar qualquer outra medida, imaginando as medidas entre.
É um ótimo exercício para
Continue pensando na música!
Dica Oito: Mantenha-o relaxado!
Acima, escrevi como se a prática da continuidade devesse sempre ser uma mini-performance. Mas não sempre! Você pode não estar fisicamente ou mentalmente pronto para percorrer toda uma peça em particular. Nesse caso, é melhor praticar a continuidade por seções.
Isso é particularmente importante quando a resistência física está envolvida. Sempre começar do início de uma peça e trabalhar até o fim pode levar à aprendizagem de que o final é sinônimo de fadiga e tensão físicas. Para derrotar isso, tente praticar a peça por continuidade por seções, mas começando no final e trabalhando para o início.
Outra variante é incluir 'seções imaginadas', conforme descrito na Dica Sete. Sem dúvida, existem outras possibilidades. Mas encontre uma maneira de
Mantenha-o relaxado!
Dica nove: mantenha o ritmo - ou os ritmos - honestos!
Eu sei que estou me repetindo aqui, já que eu já defendi o uso de um metrônomo na Dica Cinco, mas parte da linha de uma peça é manter o ritmo onde precisa estar. Pode ser constante para a peça inteira - nesse caso, o uso de um metrônomo é fácil - ou pode variar bastante. Nesse caso, a maneira mais conveniente de verificar o andamento é usar o software de acompanhamento ou uma gravação da música. Porém, no entanto, é extremamente importante verificar o andamento enquanto você aperfeiçoa uma peça para apresentação.
Mantenha o ritmo honesto!
Dica dez: Cuide do seu corpo!
Eu mantive a dica mais importante para o final. Existem algumas maneiras pelas quais essa dica se aplica.
Primeiro é que seu corpo faz parte do seu instrumento. (Se você é cantor, é todo o seu instrumento!) Portanto, para tocar da melhor maneira, você também precisa manter seu corpo. Lembro-me de um trombonista, por exemplo, que disse que suas sessões de melhores práticas sempre começavam com uma corrida de milha. A boa nutrição, o descanso e a prevenção de um estilo de vida saudável não farão automaticamente de você um ótimo músico, mas eles podem dar ao seu talento e trabalho duro uma vantagem competitiva adicional.
O segundo é que praticar (ou executar) mal pode ser prejudicial à sua saúde. Lesões por esforço repetitivo são um problema real entre músicos profissionais e também não são incomuns entre estudantes e amadores. Eles podem ser dolorosos, caros e até finais de carreira.
Mas a boa notícia é que eles podem ser minimizados usando uma boa técnica de jogo. (Soa pragmático, mas a técnica de tocar é desenvolvida e desenvolvida em parte para ser fisicamente viável para os jogadores. É parte de nossa herança de "sabedoria cultural" como músicos, e nós a ignoramos por nosso próprio risco.)
Também é importante prestar atenção ao aspecto físico do nosso jogo. Embora certamente tenhamos que aprender a fazer coisas que podem não ser fisicamente confortáveis no início, quando experimentamos fadiga excessiva em músculos específicos, dores persistentes, diminuição da amplitude de movimento ou fraqueza muscular, devemos prestar muita atenção e reconsiderar o que estamos fazendo antes de sofrermos lesões reais.
Tenha cuidado com seu corpo!
Vamos resumir:
Dica um: pratique por um motivo! ( Saiba o que você está tentando fazer.)
Dica dois: concentre-se, pelo menos, o necessário. (Então faça.)
Dica três: diminua a velocidade! ( Coloque-se no controle do andamento.)
Dica quatro: mude! (Coloque-se no controle da estrutura da música - você nem sempre precisa praticá-la exatamente como na página. Às vezes, é inteligente “emburrecer”.)
Dica cinco: obtenha feedback! (Certifique-se de estar acertando - use sintonizador, metrônomo, computador, gravações e (é claro) professores e críticos.)
Dica seis: deixe os erros irem! (Nunca será perfeito, mas ainda pode ser uma música bonita. Deixe que seja real e deixe passar).
Dica sete: continue pensando na música, mesmo que você não possa continuar tocando! (Apenas segure a 'linha direta'.)
Dica Oito: Mantenha-o relaxado! A música é linda quando flui, por isso não desligue com preocupação e estresse.
Dica nove: mantenha o ritmo - ou os ritmos - honestos! ( É mais difícil fazer isso do que você imagina, então verifique seu (s) andamento (s)!)
Dica dez: Cuide do seu corpo! (É o único que você tem, certo? A música é boa para você, mas não se você fizer errado. E seu corpo é bom para a música, mas não se você usar errado. Então, “atenção!” Preste atenção como é tocar ou cantar - e consertá-lo, se dói ou causa fraqueza ou tensão!)
Aí está: dez dicas para ajudar você a manter sua música divertida, segura e tornar seu tempo de prática o mais produtivo possível.
Espero que eles trabalhem para você como eles têm para mim e lhe tragam tanta satisfação quanto eles. Acima de tudo, espero que eles ajudem você a trazer beleza, energia, alegria, emoção e iluminação para um mundo que precisa!
