Entre 1400 e 1600, a era renascentista viu uma grande evolução dos estilos de composição musical, especialmente da música coral. Abaixo, listei quatro peças bonitas compostas nesse período, as quais eu já toquei e adorei. Você encontrará o texto de cada peça com uma tradução em inglês, alguns comentários gerais sobre a peça ou seu plano de fundo e um guia de audição que corresponde a locais específicos nas gravações do YouTube incorporadas. Ouça o quanto quiser, com ou sem os guias - a parte mais importante é fazer uma pausa do que mais você estiver fazendo e apreciar esta música maravilhosa.
1. Ave Verum Corpus (William Byrd c. 1605)
Texto e tradução: (fonte)
Ave verum corpus / atum de Maria virgine / vere passum immolatum / in crucis pro homine. / Cuius latus perforatum / unda fluxit sanguine. / Esto nobis praegustatum / in mortis examine. / O dulcis, o pie / O Jesu Fili Mariae / miserere mei / Amém.
Salve, verdadeiro corpo / nascido da virgem Maria / que realmente sofreu, massacrou / na cruz pela humanidade. / De quem lado foi perfurado / derramando água e sangue. / Seja uma antecipação para nós / durante nossa provação da morte. / Oh doce, ó santo / Ó Jesus, filho de Maria / tem piedade de mim / Amém.
Observações Gerais:
Um dos meus favoritos de todos os tempos, o Ave Verum Corpus de Byrd está repleto de belas dissonâncias para destacar a dor do texto sobre a crucificação de Cristo. Considere como as flutuações entre acordes maiores e menores (algumas das quais eu apontei abaixo) ilustram o texto. Observe também momentos de homofonia (quando todas as vozes cantam palavras juntas no mesmo ritmo) versus casos em que as partes da voz têm entradas escalonadas e que efeitos isso tem para transmitir o texto. Os momentos mais bonitos da peça são, para mim, as suspensões: momentos em que as notas cantadas por duas ou mais partes da voz são profundamente dissonantes por uma batida ou duas, antes que uma parte suba ou desça uma nota para resolver a tensão. Geralmente, isso é o resultado de uma parte permanecer em uma nota à medida que o acorde muda em torno dele e depois resolver uma nota no novo acorde.
Guia de escuta:
0:07: Observe como o acorde menor de abertura é homofônico (todas as vozes entram ao mesmo tempo nas mesmas palavras e ritmos).
0:23: Observe como o som se transforma em uma série de acordes importantes nas palavras "natum de Maria virginae" ou "nascido da virgem Maria".
0:57: Ouça a suspensão em "homine" (na parte alto); veja se consegue ouvir uma espécie de tensão satisfatória e solte-se neste ponto.
1:12: Observe como as partes da voz entram em momentos diferentes, sobrepondo as palavras "unda fluxit sanguine" ou "derramando água e sangue" para representar auditivamente a idéia de derramar ou fluir.
1:36: Ouça o crescendo (ficando mais alto) em "mortis" ou "morte" - esse é um dos principais clímax da peça, enfatizando o drama dessa palavra.
1:46: As vozes de repente ficam mais suaves e mais doces em "o dulcis, o pie" ou "o sweet, o holy". A soprano canta sozinha antes que as outras partes entrem, contribuindo para uma sensação de leveza e pureza.
2:08: Observe a bela suspensão em "Mariae", desta vez na parte tenor.
2:15: As partes da voz aparecem em momentos diferentes no texto "miserere mei" ou "tenha piedade de mim", representando vozes individuais nesta declaração mais pessoal
2:43: A música agora repete a seção começando com "o dulcis, o pie", ainda mais suave e docemente para finalizar a peça.
3:47: Saboreie outra dissonância suculenta entre a nota do tenor e as notas do alto / baixo.
2. Ultimi Miei Sospiri (Philippe Verdelot c. 1520s?)
Texto e tradução:
Ultimi miei sospiri / che mi lassate fredd'et sença vita, / contate miei martiri / a chi morir 'mi ved'et non m'aita. / Dite, the beltà infinita, / dal tuo fedel 'ne caccia empio martire. / E se este gli é grato, / gitene ratt'em ciel 'a melhor' status. / Ma se pietà le porg'il vostro dire, / me rasgou, ch'io non vorrò morire.
Minhas respirações agonizantes / que me deixam frio e sem vida, / reconto meus sofrimentos a alguém / que me vê perecendo e não me ajuda. Fale, ó beleza infinita, / para que o seu fiel seja poupado de um sofrimento impiedoso. / E se isso lhe agrada, / vou rapidamente para o céu e para um estado melhor. / Mas, se as tuas palavras suscitarem a piedade dela, volto para mim, pois não quero morrer.
Observações Gerais:
Esta peça é um exemplo clássico de madrigal precoce, um tipo de música coral secular e não acompanhada originária da Itália. Mesmo compositores não italianos costumavam usar texto e poesia escritos em italiano, sendo esta peça um exemplo. Uma das minhas coisas favoritas sobre esta peça é o som das entradas de graves profundos (a parte de voz mais baixa de 6), especialmente nesta maravilhosa gravação de King's Singers. Você ouvirá muita imitação entre as partes da voz, o que cria uma textura polifônica interessante (o oposto do homofônico: partes da voz cantando texto em momentos diferentes, com ritmos diferentes). Tente ouvir linhas de texto repetidas sendo passadas entre vozes - isso acontece em todo o lugar ao longo da peça.
(Observação: há um erro de ortografia no título do vídeo do YouTube. É 'Ultimi', não 'Ultima'.)
Guia de escuta:
0:11: Ouça a primeira entrada de baixo baixo reverberar gloriosamente ...
0: 23-0: 28 e 0: 33-0: 38: Observe como os cantores enfatizam o som "s" de "lassate" para nos ajudar a ouvir a repetição da palavra em diferentes partes.
0:50: Outra entrada de graves baixos satisfatória.
1:20: A peça começa a se intensificar em volume e tom, acentuando o texto suplicante "dite, o beltà infinita" ou "fale, ó beleza infinita".
2:03: Ouça um raro momento homofônico nas vozes superiores em "gittene ratt'in ciel" ou "vá rapidamente para o céu"; a leveza das vozes mais altas poderia representar esse movimento ascendente para o céu e a textura homofônica fornece um breve contraste com o restante das linhas constantemente sobrepostas da peça.
2: 36-2: 52: Após uma seção mais suave, a peça começa a se acumular novamente em volume e intensidade, aterrissando consistentemente em acordes menores com a palavra "eu" (fornecendo uma espécie de ênfase sombria).
3:07: Ouça uma bela suspensão na parte 1 alta.
3. Je me reclama piteusement (Guillaume Dufay c. 1423)
Texto e tradução:
Je me reclama piteusement / a moi tout seul plus qu'a nullui, / do griesté, paine and tourment / / Que je souffre plus que ne di. / Dangier me tient en tel soussi / Queschever ne puis sa rudesse, / et Fortune leult aussi, / mais, par ma foy, ce Jonesse.
Para ver uma tradução em inglês, clique aqui. Essencialmente, o texto é sobre a dor e o sofrimento do "amor" - e bastante melodramático!
Observações Gerais:
Esta peça deve parecer notavelmente diferente das outras; embora tenha sido tecnicamente escrito durante o início da era renascentista, o som de Dufay é bastante medieval. Ouça os quintos abertos com som oco no final das frases e a maneira como as partes da voz se sobrepõem, em vez de ocupar faixas distintas de notas. Observe também a independência rítmica e textual das partes da voz (ou seja, elas cantam o texto em momentos ligeiramente diferentes e com ritmos ligeiramente diferentes). Isso contribui para um som um tanto caótico (e clássico medieval) que a maioria de nós não está acostumada a ouvir. Outro elemento medieval é o uso de vozes para músicas que não são sobrepostas ao texto; os cantores usam sons de vogal como "ee" ou "eu" para essas seções.
Esta versão no YouTube é acompanhada de instrumentos; para um arranjo vocal fabuloso a cappella, confira a gravação do Blue Heron no Spotify.
Guia de escuta:
0: 11-0: 14: Ouça este trecho de melodia (cantada pela voz mais alta, aquela que meio que sai da textura) e veja se você consegue ouvi-la repetida ao longo da peça (ela volta várias vezes) . Eu amo o jeito que essa parte soa!
0:44: Isso marca o início de uma seção sem texto (cantada em "ee"). Observe como as vozes estão imitando instrumentos musicais e como o ritmo rápido e constante e as notas sobrepostas criam uma espécie de efeito ondulatório e ondulatório.
1:00: Aqui está um exemplo de um quinto vazio oco no final de uma frase - observe a escolha estilística dos cantores para decrescendo (ficar mais suave) ao invés de bater nela.
1:04: Ouça a breve homofonia no início desta seção, que soa mais como música renascentista posterior do que outras partes da peça.
1:30: Outro exemplo de um quinto aberto que é um pouco mais fácil de ouvir.
1:32: A segunda ocorrência da seção sem texto.
4. Spem em alium (Thomas Tallis c. 1570)
Texto e tradução: (fonte)
Spem in alium nunquam habui / preter in te, Deus Israel, / irasceris et propitius eris / / omnia peccata hominum / in tribulatione dimittis. / Domine Deus, criador caeli et terrae, / respice humilitatem nostram.
Eu nunca coloquei minha esperança / em outro senão você, Deus de Israel, / que pode mostrar raiva e graça / e absolver todos os pecados / do homem que sofre. / Senhor Deus, criador do Céu e da Terra / esteja atento à nossa humilhação.
Observações Gerais:
Esta peça incrível tem mais partes de voz de qualquer trabalho coral (40!). As vozes são divididas em 8 coros de 5 vozes (soprano, alto, tenor, barítono e baixo). Nem todo coral está cantando a todo momento (geralmente trocam seções em grupos de dois coros), mas há várias seções incríveis nas quais todas as partes cantam ao mesmo tempo, criando um som denso e rico. Obviamente, algumas vozes estão cantando as mesmas notas (não há 40 notas diferentes tocando ao mesmo tempo), mas Tallis varia os ritmos e as ordens das notas de diferentes partes para criar uma textura densa de notas no mesmo acorde.
Sei por experiência própria que é muito fácil se perder ao cantar ou ouvir esta peça por causa dos constantes ritmos sobrepostos. Normalmente, um ouvinte experiente pode identificar de ouvido a batida (a primeira batida, que geralmente recebe ênfase extra) de cada compasso de uma peça, mas é incomumente difícil fazer isso nessa peça após os primeiros 30 segundos. O efeito disso para o ouvinte é uma massa interminável de sons, sendo difícil distinguir linhas individuais. Eu destaquei abaixo alguns momentos específicos para ouvir ao longo do caminho, mas principalmente apenas sente-se e aproveite a atmosfera deste!
Guia de escuta:
Veja se você consegue ouvir as entradas das partes individuais, conforme elas aparecem com o texto "spem in alium" (do começo às 2:12).
2:30: Este é o primeiro momento em que todas as partes estão cantando ao mesmo tempo!
Veja se você consegue ouvir a soprano imitando diretamente a linha melódica do tenor em "qui iraceris" (tenor às 2:54, soprano às 3:00).
4:35: Ouça todas as partes cantando juntas novamente em "et omnia peccata hominum" (este é um dos meus momentos favoritos).
7:19: Após uma pausa, todo mundo canta (principalmente) homofonicamente a primeira declaração dramática de "respice".
8:19: Mais uma vez, cada parte entra em "descanso" depois de um descanso: daqui é um acúmulo lento e constante até o final exuberante.
A música renascentista é para absolutamente todos
Espero que você tenha gostado de ouvir essas peças e usar os guias como uma maneira de se sentir mais envolvido com elas. Mas lembre-se: não há maneira certa ou errada de ouvi-los. Descubra suas próprias partes favoritas e descreva-as como quiser; você absolutamente não precisa conhecer a teoria musical para descrever o que gosta em uma peça ou seção específica. A música deve ser apreciada, dançada, comentada, cantarolada junto e usada para evocar sentimentos que não podemos explicar. Espero que você continue a explorar essas e outras peças dessa bela era da música coral.
